Centro de Estudios y
Difusión del Surrealismo
Artistas Residentes
Para Leonora Carrington, sus manos fueron el elemento conductor hacía la creación y la comunicación. En su trabajo se observa la estrecha relación entre su mente y sus manos descubriendo un sinfín de posibilidades para producir lo impensable. Las manos de los personajes en su obra han sido un enigma difícil de resolver aun cuando constatamos su predominio visual, desde donde envían señales visibles o ambiguas que nos incitan a examinar, interpretar de diversas formas y conocer su intención en las piezas; algo que a la artista le complacía ante su negativa de dar declaraciones acerca de sus creaciones, respondiendo a las interrogantes con “what do you see”?
Rodrigo Meneses, es un artista que radica en San Luis Potosí. Es profesor investigador en la Coordinación Académica en Arte de la Universidad Autónoma de San Luis Potosí. Su preparación artística incluye la Licenciatura en Artes Plásticas, Maestría en Historia del Arte Mexicano y Doctorado en Artes Visuales. Ha participado en 11 exposiciones individuales y 40 colectivas en diferentes ciudades del país, así como en Chicago (EUA) y Londres (Inglaterra).
Su obra se caracteriza por la exploración de reacciones emocionales y corporales ante diferentes estímulos, experimentando entre las artes visuales, el arte expandido, el performance, la instalación y metodologías psicológicas.
En los últimos meses Rodrigo realizó una estancia de investigación artística en el Museo Leonora Carrington de San Luis Potosí. Esta exposición es el resultado de dicha investigación.
Melanie Gritzka del Villar en colaboración con Joanna Vasquez Arong
Durante su residencia Gritzka del Villar ha trabajado con temas personales como la pérdida, la nostalgia y la memoria, junto con los antecedentes históricos del estado de San Luis Potosí como uno de las principales productores de plata. Gran parte de la historia de los indigenas de Filipinas y México antes y después de la Nueva Hispania esta fragmentada o perdida, mucha de ella aun vigente en la tradición oral.
Con el fin de reunir el material necesario para esta exposición, la artista pasó un tiempo en Real de Catorce y Cerro de San Pedro en San Luis Potosí, dos de los pueblos mineros más importantes del Estado, donde se puso en contacto con los locales y sus historias para comprender el impacto de la industria minera en sus vidas.
Como parte de su proyecto, Gritzka del Villar invitó a la artista Joanna Vasquez Arong a colaborar con ella en tres cortometrajes, que entrelazan fragmentos de sueños, de la historia personal y sus experiencias compartidas en su estancia en San Luis Potosí.
Melanie Gritzka del Villar, de padres filipinos-alemanes, nació en 1982. Ha vivido, trabajado y estudiado en Alemania, España, Inglaterra, Tailandia, Estados Unidos de América y Filipinas. Con una formación en pintura figurativa, Gritzka siempre ha sido atraída por el dibujo con utilización de las superficies que se encuentra y los procesos de técnica mixta.
Joanna Vasquez Arong es una cineasta que comenzó a crear películas cuando se embarcó en una aventura de ocho años en Beijing en el año 2002. Sus primeros cortometrajes fueron experimentales y se presentaron en museos y galerías en Beijing, Reino Unido, Nueva Delhi y Manila, incluido el Museo Today Art, la galería espacial 798 en Beijing y el Museo Metropolitano de Manila. Sus películas fueron elegidas para ser parte de "FAT Art Beijing" y "My China Now" proyectadas en la Hayward Gallery de Londres, BBC Big Screens en Birmingham, The Yorkshire Waterways Museum en East Yorkshire y City Art Center en Edimburgo.
VIGENCIA
7 de noviembre - 23 de febrero 2020
-cosm
Emily Stapleton-Jefferis
-cosm
Esta exposición es el resultado de la residencia de la artista Emily Stapleton en el Museo Leonora Carrington en San Luis Potosí durante septiembre y octubre del año 2019. Inspirada en el interés de Carrington en la transformación alquímica de la materia como un paralelo a la transformación del yo a través del acceso a el inconsciente (Jung, 1936). Junto con la flora, la geología y el folklore de México, ésta se basa en la materialidad de la arcilla y el esmalte para explorar estados de flux, flujo y transformación.
Juega con la plasticidad de la arcilla para explorar estructuras y bordes. Estructuras resbaladizas que entrelazan lo micro y lo macro, desde lo corporal y lo botánico, hasta lo geológico y biológico; estructuras que existen en todas las escalas de nuestra realidad y cuyas raíces se encuentran en nuestro inconsciente colectivo. Bordes que se inclinan y oscilan entre lo familiar y lo extraño, lo consciente y lo inconsciente, donde el individuo
humano se disuelve en la universalidad orgánica de la forma.
Emily Stapleton-Jefferis nacida en el año 1992, reside y trabaja en Londres. Su trabajo cuenta con un enfoque particular en el uso de la cerámica. Su trabajo escultórico involucra principalmente arcilla, a la que se siente atraída por la rica historia de la misma, el hecho de que yace bajo nuestros pies y las cualidades transformadoras del material también son una fuente constante de inspiración. Sus formas se refieren tanto a lo anatómico como a lo botánico, a lo micro y lo macro, tanto a nuestros propios paisajes como a los mundos de ciencia ficción. Los ecos de su toque permanecen incrustados en el trabajo, con todo su cuerpo involucrado en su conformación, formación y moldeo; sus manos actúan para canalizar su inconsciente en forma física.
VIGENCIA
7 de noviembre - 23 de febrero 2020
Jahn Carlos Neri Cardona
S.SERES
El entorno modificado por seres habitantes del mismo, crea como consecuencia en ellos una transmutación, una deconstrucción
de su realidad, y una adaptación a partir de interacción con su materia artificial.
Jahn Carlos Neri (John Carlos Neri Cardona) Radica en la ciudad de San Luis Potosí, tiene un primer acercamiento al arte en el ámbito musical, tomando cursos en el Instituto Potosino de Bellas Artes y posteriormente en el Centro de las Artes, S.L.P. Lugar en el cual se interesa por otras áreas, como el arte sonoro, digital y escénico, asistiendo a diversos cursos donde se formaría de una manera interdisciplinar. Asiste a un seminario de promoción y gestión cultural con el maestro Carlos de la Mora en la Casa de Cultura de Soledad, S.L.P. En su obra aborda temas con relación a la observación, el impacto de nuevas tecnologías, el espacio virtual y la digitalización del individuo. Involucra el manejo de tecnologías digitales, realizando videoarte, proyección digital, realidad virtual, aumentada y videoinstalaciones.
Alicia Paz en colaboración con Michael Szpakowski
Todos estamos hechos de fragmentos. De lugares donde hemos vivido, personas con las que nos relacionamos, memorias, objetos queridos u odiados. Las obras de Alicia Paz muestran personajes armados a partir de fragmentos dispares. Reflejan como cada individuo es siempre el punto de encuentro de otras tantas cosas, una paradoja. El Yo, supuestamente individual, es al fin múltiple y cambiante. Como dijo el poeta Arthur Rimbaud, "Yo es otro".
Esta exposición es el resultado de la residencia que la artista realiza en el Museo Leonora Carrington San Luis Potosí en el mes de Julio de 2019. Durante su residencia, la artista ha explorado por primera vez el medio de la fotografía, con énfasis en el proceso libre e instintivo de los fotograbas, evocando la estética irracional del surrealismo. Los personajes femeninos representados funcionan mo tanto como autorretratos sino como altor-egos híbridos, fantásticos.
Alicia Paz, es mexicana y radica en Londres de 1999. Estudió en la Universidad de California en Berkeley, la Escuela de Bellas Artes de París, Goldsmith College y en Royal College of Art de Londres. Ha tenido exposiciones individuales en el Reino Unido, Francia, Alemania, México y Argentina, más recientemente en Kunstmuseum Magdeburg, Alemania (2015-2016). La obra de Paz forma parte de colecciones públicas y privadas. Ha sido objeto de numerosos catálogos y publicaciones.
Michael Szpakowski es artista, compositor y educador británico, reconocido dentro de la escena internacional del arte contemporáneo, como lo demuestra su extenso historial de exposiciones, premios y publicaciones destacadas en toda Europa y los Estados Unidos.
VIGENCIA
1 de agosto - 27 de octubre 2019
RESIDENCIA TEXTIL
Garance Maurer
Graduada de la Escuela Nacional Superior de Creación Industrial con mención para la innovación en junio del año pasado, Garance Maurer es diseñadora textil y actualmente ganadora de la Residencia Itinerante de las Alianzas Francesas. Este programa consta de estancias de diez días en diversos estados de la República Mexicana, entre ellos San Luis Potosí, su cuarta ciudad de residencia en el programa.
En 2013, tuvo la oportunidad de realizar una estancia en la Ciudad de México donde colaboró con PINEDA COVALIN. Esa primera experiencia en la República Mexicana le permitió viajar y descubrir la diversidad y la riqueza del país, inspirando el proyecto que actualmente está desarrollando en nuestro país.
EL OMBLIGO DE LA LUNA
Natasha Sabatini
Sus intereses actuales se centran en el uso de la fotografía vernácula como el material de origen para desarrollar grabados y pinturas escultóricas que sugieren narrativas de ficción. Graduada con honores de la Licenciatura en Bellas Artes por la Universidad Metropolitana de Cardiff en el año 2012, así mismo obtuvo una Maestría en Bellas Artes por la Universidad de Wimbledon de las Artes de Londres en 2015, en donde comenzó a trabajar con el grupo de Marion Phillini para producir instalaciones video-experimentales. Sabatiniorganiza anualmente una residencia de arte en su ciudad natal, Atina, Italia, en colaboración con LUMEN, un colectivo con sede en Londres.
Esta exposición es el resultado de la residencia que la artista realiza en el Museo Leonora Carrington San Luis Potosí en diciembre de 2018. Durante su residencia, Sabatini propone «explorar el vientre del cosmos», es decir, la relación entre lo micro y lo macro, lo interior y lo exterior. Para ello, creó una serie de grabados y esculturas en acrílico.
LA NOCHE ESTRELLADA SOBRE LA CAÑADA
Xiao-yang Li
Los cuadros de Xiao Yang-Li (Harbin, China, 1985) son una exploración de lo mítico y lo desconocido. Su obra explora las distintas formas de representar el cuerpo humano, con un interés especial en la figura femenina y sus representaciones mitológicas.
Esta muestra es el resultado de la residencia que la artista realiza en el Museo Leonora Carrington San Luis Potosí de noviembre de 2018 a enero de 2019. En estas obras, la artista recoge sus impresiones del centro histórico de la ciudad (un restaurante, una iglesia) y de otros lugares en San Luis Potosí (la Media Luna, el desierto).
‘Las obras responden en gran parte a mi experiencia y al ambiente de México. Retratan la calle, la arquitectura y los colores de mi colonia en San Luis Potosí. Capturan escaleras de caracol, la calidad de la luz, los espacios entre el interior y el exterior, lo construido y lo natural, al hombre y el espacio a su alrededor… México contiene todas estas formas y colores maravillosos que había estado buscando. Ahí tenemos todo lo que existe bajo el sol, presentado de forma espontánea y audaz.’
Exposiciones Temporales
Con el objetivo de impulsar la producción artística y fomentar el coleccionismo, el Museo Leonora Carrington del Centro de las Artes de San Luis Potosí presenta Forum Leonora, exposición colectiva de artistas seleccionados a partir de una convocatoria abierta.
Vigencia del 1 de abril al 23 de mayo.
...Por ello, todo el esfuerzo técnico del surrealismo, desde sus orígenes hasta hoy, ha consistido en multiplicar las vías de penetración de las capas más profundas de la mente. «Yo digo que hay que ser videntes, hacerse videntes» sólo se trataba de descubrir los medios para poner en práctica este mot d'ordre de Rimbaud…
André Breton.
Una trayectoria de casi 60 años y más de 200 exposiciones, tanto personales como colectivas, atestiguan si fuera necesario que la creación es mi territorio y que persigo sin cesar estos espacios habitados por «fuerzas que toman forma». Hace mucho tiempo la crítica me llamó «el primitivo cultivado», porque vago por lo que C.G.Jung y otros después de él llamaron «el inconsciente colectivo». Este espacio donde nacen, mueren y se transforman los símbolos, más allá de los territorios, de las civilizaciones, es un patrimonio común a toda la humanidad. Desde 1965. Los títulos de mis exposiciones ilustran este deseo de errancia, ilustran mi propósito, mi visión. Desde 1965 para mi primera exposición parisina: Yéou (viajes interiores), título prestado de Tchouang Tseu, hasta ANALOGON 2020 pasando por: "Territorios de errancia chamánicos", "herencia: serie Trípolitania", Imágenes fetiche y palabras palabras hechiceras" continuando con " imaginario hechicero1 y 2", "Obras al negro, "Sitios y otros lugares no dichos", "Caminos del Mediterráneo 1 y 2", como algunas otras exposiciones más directamente vinculadas a los poetas que amo: Michel Butor, Guillevic, Bernard Noël, Jean Verdure, Michael Gluck, Pierre Cambon, Enan Burgos, A-M Jeanjean, Arezki Metref, Ahmed Beroho, Isabelle Pierret, Mario Alonso López Navaro, Laura Elena González, Raymond Alcovere, Hugo N'Byaye-Beaudiere, Valérie Rinaldo, Bona Mangangu. realice un homenaje a Arthur Rimbaud, Jules Supervielle.
Sí, la poesía está en el corazón de mi trabajo de pintor, sin que nunca sean ilustraciones, sino trabajos cruzados, como decía Michel Butor.
Mi trabajo consiste más en ser receptivo a «lo que viene» que en imaginar o predecir, en el espíritu del: «dejar pasar» querido por los artistas ZEN. Este modo me es una regla a la que no puedo fallar.
Lo que algunos podrían ver como influencias, yo las veo como una captación de la herencia formal, un prestamo del vocabulario universal de las formas. Como una apropiación de esta lengua anterior a la escrita que es el signo seguido de la forma. Nadie inventa la lengua en la que escribe, sólo el ensamblaje de los signos es personal y dice «analógicamente» al que los usa (el análogon de Jacques Lacan), se trata para mi de hacer presente el espiritu del mundo. Se trata ante todo de un modo de estar « en el abierto» del mundo, en este lugar donde todas las contradicciones se abolieron y donde todo deja de ser percibido contradictoriamente como en el juego de las perlas de vidrio de las que habla Herman Hesse...
Claude-Henri Bartoli
San Luis Potosí, enero de 2020
Aaren Cloning Rotor
Enrique Fuentes
Aaren cloning rotor, anagrama del nombre Leonora Carrington, provee el título a esta muestra del pintor mexicano Enrique Fuentes y el artista austriaco Günter Brus.
Las obras de Fuentes exigen la mirada activa del espectador. Cada cuadro se construye en un proceso de acumulación de capas y trazos que revelan o esconden aspectos de la imagen inicial, obligando al espectador a buscar los elementos legibles en el cuadro para interpretar el conjunto.
Enrique Fuentes (1980, Ciudad de México) realizó sus estudios artísticos en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París. Realiza una estancia artística en Tokio, Japón, en 2004-05. Fue asistente del pintor Arnulf Rainer (1929, Baden-Viena, Austria) de 2005 a 2011. Su obra ha sido expuesta en Alemania, Austria, China, Estados Unidos, Francia, Hungría y México, entre otros países. En 2010 presentó la muestra retrospectiva titulada Retrospección / Abstracción en el Centro de las Artes de San Luis Potosí Centenario. En marzo de 2015, realizó una residencia artística en el Museo de Arte Contemporáneo de San Luis Potosí. Actualmente reside en Berlín y Viena.
VIGENCIA
11 de diciembre -04 de marzo
CONTRA EL MUNDO
Edgar Silva y Roberto Carrillo
Contra el Mundo es un proyecto de exposición que reúne el trabajo reciente de los mexicanos Roberto Carrillo y Edgar Silva, artistas cuyo signo pareciera ser un punto remoto y oculto que tras mucho tiempo vuelve: un vistazo a mares profundos, antiguos rencores y anomalías de la morfología humana.
Edgar Silva (Cd. México, México, 1981) es un diseñador y artista visual. Ha sido seleccionado en emisiones del Encuentro Nacional de Arte Joven, la Bienal Nacional de Dibujo y Estampa Diego Rivera, la Bienal internacional de Grabado José Guadalupe Posada y fue beneficiario de la beca del FONCA Jóvenes Creadores con el proyecto de dibujo The Political as Nightmare.
Roberto Carrillo (Puebla, México, 1985) es un artista plástico y visual, su trabajo ha tomado la forma de libro de artista, poesía visual, cómic, grabado y pintura. Actualmente estudia la Maestría en Artes Visuales en la Faculta de Artes y Diseño de la UNAM.
VIGENCIA
30 de agosto - 25 de noviembre
GUION PARA UNA ESCENA CON CINCO ESCULTURAS HABLADAS
Francesco Pedraglio
DIBUJOS Y ESCULTURAS
Pablo Weisz Carrington
Pablo Weisz (Cd. de México, 1947), hijo de Leonora Carrington y Emerico Weisz, Pablo creció en el entorno de los artistas europeos exiliados en México, entre ellos José y Kati Horna, Remedios Varo y Benjamin Péret. Weisz crea paisajes con la sencillez del desierto: "Como un escenario teatral donde los objetos pueden hablar de una manera directa al observador, donde pasan cosas que no suceden en nuestro mundo diario, pero podrían pasar".
VIGENCIA
22 de marzo - 10 de mayo
Francesco Pedraglio (Como, Italia, 1981) entiende a la exposición como un guion o una puesta en escena. Sus esculturas no se limitan a ser objetos, sino que reaparecen como actores en videos, o durante performances.
Durante su residencia artística, Pedraglio desarrolló un nuevo proyecto escultórico a partir de partiendo de las siguientes premisas:
-La exposición es un performance continuo.
-El espacio donde ocurre la exposición es el guion de este mismo performance.
-Los objetos dentro del espacio donde se lleva a cabo la exposición son los sucesos eventos que transcurren suceden en el guion del performance.
-El tiempo, en cambio, es solo el tiempo.
VIGENCIA
18 de mayo - 22 de agosto